画空间

中国油画该有自己的评价体系——张祖英

油画固然是从西方引进的艺术，但经过在中国民族土壤中百年的吸收融汇，已经成为中国当代文化的重要组成部分；已经在内容和形式上和西方油画有了很大的不同；已经和中国当代社会生活、人文理念、审美情趣水乳交融。

新中国成立前以开办学校和引入为主

油画虽然是舶来品，但传入中国以来始终与社会政治和百姓生活息息相关。在油画百年这一特别的日子里，记者采访了著名油画家、中国油画学会副主席兼秘书长张祖英先生。

所谓的”百年”基本上是个约数，实际上还是从中国留学生留学欧洲、日本时开始算起，也就是从第一代中国留学生开始算起，应该是１９世纪末２０世纪初。这一时期的代表人物有李叔同、李铁夫、刘海粟、徐悲鸿、林风眠等。当然除了他们几位还有许许多多，像陈抱一、庞薰琴等。这个时期从国外留学回来的人大致分为两条线，一条是留学欧洲的学生，另一条则是到日本留学的学生。当时大批爱国学子抱着科学救国的信念走出去，同时也引进西洋的艺术、西洋的思想。不少人回国后开办了学校，比如那时候有苏州艺专、杭州艺专、上海美专等等。

在１９４９年以前，基本上是以引进和开办学校为主，抗日战争时期，写实主义和现实主义手法比较流行。徐悲鸿可以说是这一时期的代表人物。林风眠、刘海粟等被称之为”新派”画家。

新中国成立后，需要反映新建设、新成就的作品，苏联的艺术随之传入中国，现实主义创作成为主导。中国一方面向苏联派出留学生，一方面邀请苏联专家来中国，因而培养了一大批油画人才，他们包括詹建俊、靳尚谊、全山石、罗工柳等。苏联油画的基本结构，是现实主义的生活，加上印象派的色彩和写实主义的造型，而这些非常符合当时国情的需要。可以说，这时期开始比较系统、大规模地把油画艺术引入了中国。

革命历史绘画和”伤痕美术”

在这样一种背景下，上世纪５０年代有一批人学成归来，５０年代末正赶上中国”十大建筑”建设，需要创作一大批革命历史绘画作品。因此，这个时期便出现了一批优秀作品，比如詹建俊的《狼牙山五壮士》、靳尚谊的《十二月会议》、全山石的《宁死不屈》、罗工柳的《地道战》、冯法祀的《刘胡兰就义》等，应该说这一时期的作品奠定了新中国油画艺术发展的良好基础。这个时期的作品准确地说，是革命现实主义和革命浪漫主义作品。

客观地说，这个时期虽然取得了很大的成就，也达到了相应的水平，但是从形式语言、表现风格上来说，还是比较单一，基本上还属于写实的画法。正当大家准备探索新的绘画语言的时候，”文革”开始了。由于极左的影响，绘画的语言更加单一，内容更加狭窄。自此，油画不仅陷入低潮，而且创作水平也开始下滑。

张祖英说，油画艺术既要有色彩的修养，也要有造型的修养，可是”文革”时期，讲求的是”红光亮”。那个时候谁的作品如果画得冷一点、深沉一点，就要受到批判。

“文革”结束后的拨乱反正，出现了”伤痕美术”，一批反思作品应运而生，像《父亲》《农机专家之死》《春风已经苏醒》等。

油画已成民族文化的一部分

进入改革开放年代，国外的展览开始涌进中国，大批青年人开始走出国门。他们中分为两路，一路是对欧洲写实油画作的钻研，掀起一股古典主义热潮；另外一路，通过到国外参观学习看到了很多新的创作手法，他们多为现代主义画派。

在这种情况下，油画发生了变化：形式、风格、题材多样了。应该说，从上世纪８０年代到上世纪末，中国油画出现了一个繁荣期。各种派别、各种风格以及各种形式纷纷出现，使得中国的油画从质量、深度和广度上，都获得了很大改观。可以说，这时期的中国油画基本上形成了自己的特点，而且达到了相当高的水平。

而同时期西方的绘画进入削弱状态，其他艺术形式得以发展，比如行为艺术、装置艺术、传媒艺术等等。在他们看来，用手来进行绘画的创作已经很难再向前迈进，写实主义、表现主义、抽象主义，还有印象派、立体派等都接近消亡状态。

但是在中国，当代艺术已经和欧洲的当代艺术基本上拉平，甚至在某些方面，比如绘画质量、反映生活等方面已经胜过他们。我们把欧洲的绘画技术引进以后，再加上中国的传统文化、生活及博大精神，便初步形成了中国油画的特点，即”中国式”油画。中国油画已不再是欧洲的舶来品，现在可以说，油画艺术已经成了中国当代文化、当代艺术的一个方面，而且已经成为本民族的文化。

中国油画应该有自己的独特风貌

张祖英说，进入新世纪以后，我们的任务便有所改变。在几代油画家的努力下，中国油画已创建了自己的体系，当我们站在老一代油画家的肩头、又为新一代油画家铺路的时候，当我们站在中国油画事业的高度展望未来的时候，我们深切地感到，中国油画家们在顽强地走着民族艺术的创新之路。我们每个人都在体现着自己的人生价值，并正在通过自己创造的艺术价值来体现自己民族的文化价值。

尽管中国的油画艺术作为一种国际通用的艺术语言，还将在未来的发展中继续与世界其他民族进行交流、吸收和融汇有益的外来因素，但从本质意义上说，它必将按其自身的发展规律沿着中国当代文化发展的轨迹向前推进。

我们经常说中国油画要走向世界，张祖英认为，中国油画走向世界并不是让更多的油画家被西方的策展人所承认，而应该是在整体上形成一种强大的阵势和不可替代的独特风貌，使世界艺坛因为中国油画的存在而更具魅力，因为缺少中国油画的存在而显得缺少色彩。当中国的艺术评价体系被世界所承认的时候，才可以说中国油画走向了世界。

与此同时，提出创立中国自己的艺术标准的问题也显得十分重要，这不仅仅是因为我们是一个具有５０００年文明，并曾经创造过辉煌文化的民族，也不仅仅是因为中国油画在近年来的飞速发展中取得了可喜的成绩，更重要的是改革开放后，中国经济发展为文化的发展奠定了雄厚的基础，使中国人民在经历了多年的精神压抑后又获得了一种民族的自信，同时，也因为中国是一个历经沧桑的民族，这种种磨难会使中国人民富有更深刻的情感和对生活更深邃的感悟力，而这些正是我们民族的财富和艺术创作的不竭源泉。现在是应该在当今世界体现出中华民族文化艺术对人类社会发展具有不可忽视的价值的时候了，中国油画已经到了建立自己评价体系的时候了。

俄罗斯油画300年间的坚持与继续

“静静的村庄飘着白的雪，阴霾的天空下鸽子飞翔……”读着这样的句子，你的脑海中会不会掠过一幅静物画般的景象呢？这首名为《白桦林》的歌曲，曾经在中国社会风靡一时，尤其受到许多年轻人的喜爱。其歌名以及歌词，无不渗透着浓浓的俄罗斯风情。人们在欣赏歌曲优美旋律的同时，也仿佛在想象的世界中观赏着一幅幅优美的俄罗斯油画。有人说过，俄罗斯的建筑、房舍、树林、山川等景色，无论在任何一种光线之下，只要如实描绘，都会构成一幅美丽的油画。也有人将俄罗斯称为”油画的国度”。俄罗斯油画，在世界美术史上烙印着 “伟大民族的艺术史诗”的崇高美誉。

2007年9月下旬的几天之间，近百幅油画在辽宁省博物馆二楼第五展厅中展出。来自俄罗斯的五位画家和中国画家一起，联手举办了此次的”中俄国家年油画家作品联展”。值得一提的是，在辽宁省，这是第一次由中俄两国油画家在同一展厅共同举办画展。作为一件文化盛事，”中俄国家年油画家作品联展”的举办必然会带来许多新的思考，近几年，在国内愈加升温的俄罗斯油画热，相信也会因为此次中俄画家的携手而更受瞩目。透过此次画展，我们也获得了一次机会，借此回溯俄罗斯油画的历史、深入解构俄罗斯油画的特点，同时也探讨一下俄罗斯油画对中国美术以及中国几代画家所产生的深远影响。

三个世纪 俄罗斯油画创造了世界油画史的绚烂时光

“中俄国家年油画家作品联展”举办期间，前来观看画展的人络绎不绝。尽管展厅空间略显拥狭，但却没有影响到观者的兴致，反而蒸腾出一股浓郁的赏画氛围。画展中，五位俄罗斯画家的参展作品非常鲜明地表现出他们所坚守的俄罗斯油画一贯的现实主义画风。从巴洛维克·维塔利·利沃维奇的《浴女》，到顾拜杜林·陆山的《克利奥佩特拉》，再到邱恰拉夫·谢尔盖·尼古拉耶维奇的《白杨》等作品，让人不禁联想起五位画家共同的背景，他们都是来自于俄罗斯列宾美术学院，而他们的作品也带领着人们的思绪，重温俄罗斯油画艺术最绚烂的时光。

西伯利亚的积雪、圣彼得堡的森林，还有伏尔加河河畔的风光等景象，会令每一个到过俄罗斯的人都留下深刻的印象。同时，这些真实景色也为一代又一代的俄罗斯艺术家带去了无尽的灵感。自18世纪至20世纪，300年的时间里，俄罗斯美术发展史上诞生了众多令人瞩目的绘画流派，包括以世俗人物肖像画为主的古典画派，具有强烈批判现实主义色彩的巡回展览画派，还有强调独特视角和别致构思的”艺术世界”以及提倡大胆革新和反叛的先锋派，这些流派的出现不仅仅直接影响到东亚地区绘画风格的形成，更在世界绘画史上写下了浓重的一笔。

想要理解俄罗斯油画的特点，就必须要了解其发展的过程。记者在对有关专家进行采访后了解到，俄罗斯油画的发展大致经历了几个重要的阶段。18世纪初期彼得大帝全面推行改革，将许多有才华的俄国青年画家公派到国外学习绘画，他们学成归国后成为俄罗斯绘画的骨干力量。而叶卡特林娜二世时期从欧洲流入的古典学院绘画也在俄罗斯土地上生根发芽。18世纪中叶，当圣彼得堡成立皇家美术学院，成功培养出一批俄罗斯本土画家后，这批画家以俄罗斯大地为立足点，令俄罗斯油画开始具备鲜明的本土特色。到了 19世纪中期，油画逐渐成为俄罗斯文艺创作 的 主体，其间，涌现的画家群体，与当时的法兰西绘画各领风骚。十月革命后，其油画的主流是社会主义现实主义。在俄罗斯油画300年间的发展历程中，影响最为深远，直至今日依然占据着俄罗斯油画创作风格主流地位的，便是以列宾为代表人物的19世纪俄罗斯巡回展览画派。

民族底蕴 以列宾为代表的巡回展览画派影响力至今未减

清华大学美术学院教授王铁牛评价列宾的画作《伏尔加河上的纤夫》时说：”如打开俄罗斯艺术新篇章的列宾著名的《伏尔加河上的纤夫》，在衣衫褴褛、备受压迫的纤夫中，列宾发现了鲜明的个性，他看到的不仅仅是苦难的人们，而是强有力的、值得尊敬的人。从这幅画开始，俄罗斯绘画中关于人民题材的作品具有了英雄般伟大而深刻的内涵。艺术家追求的不仅仅是透过生活看到磨难和痛苦，还力图表现出生活中独特的诗意、美感和尊严。”

列宾是俄国19世纪后期的批判现实主义画派主要代表之一，《伏尔加河上的纤夫》是他的成名之作。学生时代的列宾因同情在圣彼得堡涅瓦河上艰难劳作的纤夫，萌生了画一幅表现纤夫的作品的想法，并通过这样的画来揭示表现下层劳动人民的痛苦生活以及社会的不平。他的画作广阔而全面地表现了那个时代俄罗斯人民的生活，几乎涉及到俄罗斯社会的所有阶层和社会生活的所有问题。以他为代表的俄罗斯巡回展览画派的创作便是忠于现实主义的真实，细腻地刻画人物性格，再现俄罗斯的现实生活，暴露和批判沙皇的专制制度。他们主张面向生活，把绘画艺术从贵族沙龙里解放出来，以批判现实主义的创作手法真实地描绘俄罗斯人民的历史、社会、生活和自然。在世界美术史上非常著名的克拉姆斯科依、苏里科夫、希施金等，与列宾一样，都是这一画派的杰出代表。他们所带动的现实主义画风，至今仍然影响着俄罗斯画坛乃至世界画坛。

从俄罗斯画家在此次 “中俄国家年油画家作品联展”的参展作品中可以看出，尽管五位画家的具体手法各有特色，但共同之处在于，他们的作品都属于现实主义作品，并且，同样有着强烈的民族风格，这也是俄罗斯油画的总体风格。其中，画家亚历山大·季明的参展作品《北方风景》使人联想到众多俄罗斯经典风景画，包括《乌克兰的傍晚》、《白桦树》、《三月》、《墓地上空》等。俄罗斯油画画面澄澈，色调柔和，委婉而富有情节，再加上些许装饰感，令人在欣赏之余真切地感受到一份凝重、静谧以及撼人的感染力。正因为俄罗斯油画具有鲜明的民族风格，所以，也为观者带来了力度感、厚重感，在体味画中所流露出的民族情结的同时，也会引发更深层次的思考。

辽宁画院副院长、我省著名画家戴都都是此次 “中俄国家年油画家作品联展”中参展的中国画家之一。当记者与他谈起俄罗斯油画历史，谈起列宾美术学院等话题时，戴都都以 “辉煌”、”伟大”、”大师”等词汇注解了他对俄罗斯油画的定义。此次参加”中俄国家年油画家作品联展”的五位俄罗斯画家所在的列宾美术学院，是现实主义绘画的大本营，他们一直在继承两个传统，一种是从技巧技术上吸收了意大利文艺复兴古典传统，又吸收了契斯恰科夫以后”巡回展览画派”很深厚的体验生活的传统，同时，又形成了”艺术为人民”的新传统。有评论认为，目前在世界各国艺术教育方面和各种流派中，只有俄罗斯还在坚持着他们的优良的现实主义传统。

俄罗斯油画热 艺术市场逐渐认同俄罗斯油画的价值

“中俄国家年油画家作品联展”创造了辽宁省美术历史上的许多个第一次。不仅是第一次中俄画家同展厅展览，第一次中俄画家携手创作，同时也创造了第一次集中回顾与思考的机会。

2006年与2007年，中俄两国互为友好年，俄罗斯油画在两国交流媒介中是一个不可缺少的重要平台。俄罗斯油画的价值在近几年也逐渐开始得到海内外艺术市场的认同。据悉，在国际市场上，苏富比和佳士得的拍卖会不断刷新着俄罗斯油画的成交价和成交率。在我国，自上世纪90年代初开始，俄罗斯油画开始进入艺术市场，到90年代中期，我国首拍俄罗斯油画，整场成交率仅为45％左右，起拍价仅为几千元，像雅勃隆斯卡亚这样大师级的作品价格也只在1万元至2万元。到了2004年，在一场当代俄罗斯油画原作精品专场拍卖会上，整场的成交率达到了65％，特别是苏联功勋艺术家马克西莫夫的《齐白石老人》以35万元落槌，《打春场— 系列中国》以132万元成交，创造了其个人作品在中国拍卖的最高成交纪录。阿列史尼科夫的《艺术家肖像》也以100万元人民币成交。2005年，包括著名画家萨夫拉索夫、波列诺夫等人的珍藏作品也在中国进行拍卖，其中列宾在1886年创作的《人物肖像》估价80万元至100万元，成交价达到176万元，这是俄罗斯油画在内地拍卖市场的最高价。而雅勃隆斯卡亚的作品《公园一隅》也以超过25万元的价格成交。从此现象也可以一窥俄罗斯油画在当今越来越受重视，俄罗斯油画热正在逐步升温。

　　如今，人们提起俄罗斯油画，就会联想起广袤的土地、质朴的人民以及那种独特的淡而不伤的色调。强烈的现实主义色彩和丰沛的人文主义精神使俄罗斯油画拥有了强大的生命力，几百年间，历久不衰。而俄罗斯艺术家特有的深沉气质，对祖国、对乡土、对现实生活的挚爱，也感染着所有热爱艺术和生活的人们，值得注意的是，因时代、地域以及审美情趣等因素的影响，俄罗斯油画对中国绘画艺术的发展具有深远的影响，这也是探讨俄罗斯油画时不可忽视的焦点之一，同时，也是举办 “中俄国家年油画家作品联展”后应当唤起的另一种思考。

日本浮世绘

浮世绘，也就是日本的风俗画，版画。它是日本江户时代(1603～1867年间，也叫德川幕府时代)兴起的一种独特民族特色的艺术奇葩，在亚洲和世界艺术中，它呈现出特异的色调与丰姿，历经三百余年，影响深及欧亚各地，十九世纪欧洲从古典主义到印象主义诸流派大师也无不受到此种画风的启发，因此．浮世绘具有很高的艺术价值。

浮世绘的艺术，初期原为肉笔浮世绘，即画家们用笔墨色彩所作的绘画，而非木刻印制的绘画。肉笔的浮世绘，盛行于京都和大板，这个画派的开始，是带有装饰性的。它为华贵的建筑作壁画，装饰室内的屏风。在绘画的内容上，有浓郁的本土气息，有四季风景、各地名胜，尤其善于表现女性美，有很高的写实技巧，为社会所欣赏。这些大和绘师的技术成就，代代相传，遂为其后的浮世绘艺术，开导了先路。

江户时代是日本封建社会的晚期，它和我国的清代相吻合。由于经济的增长，城市里首先产生一种”町人文化“(即市民文化)．由于市民文化迅速得到发展，作者云起，需要量扩大，大量印制，以供需求。从而使肉笔浮世绘进入版画浮世绘阶段。浮世绘版画的印刷技巧，初为单纯的墨摺本，以后发展有丹绘和漆绘，用彩笔添入的。真正的套色版画锦绘，在公元1643年至公元1765年前后出现，浮世绘的印刷技术，达到一个高潮，如锦绣万花，绚烂多彩，代表了日本民族在艺术上的高度成就。

浮世绘的题材极其广泛，有社会时事、民间传说、历史掌故、戏曲场景和古典名著图绘，有些画家还专事描绘妇女生活，记录战争事件或抒写山川景物……它几乎是江户时代人民生活的百科全书，而所有这些题材的基调则是体现新兴市民的思想感情。一些追求自由恋爱和讽刺封建礼教的作品在民间流布极广。

浮世绘木刻归纳起来大致有两种形式：”绘本”和”一枚绘”。所谓“绘本”，即是插图画本。它在江户初期是以古典小说的插图为开端，后来陆续出现通俗的插图读物，到万治年间，随着市民小说的产生，这种木刻绘本更加迅速发展。民间画师菱川师宣便是这种”绘本”的创始人。

“一枚绘”，即单幅的创作木刻，它给单独欣赏一幅画开创了条件，画工也更精细一些。尺寸大小不等，总计有二十束种，均按刻制方法、套色多寡不同而分为”墨绘”、”丹绘”、”漆绘”、”浮绘”、”锦绘”、”蓝绘”等品种。

浮世绘木刻技法不追求木刻的刀味，却注意木质纹理的表现效果，而且对于线条的流畅放在极主要的地位，往往需要画、刻、印三者共同合作来使作品达到尽善尽美的境地。他们创造的木纹法、光泽法、云母粉法、无色印刷法等等都是在力求线条与配色取得高度和谐这一目的上总结出来的作画经验，摆脱了过去向来使 用毛笔的束缚。

日本浮世绘是顺应市民经济文化高涨的年代而产生 的，对社会生活有深刻的影响，因此，它具有很强的生命力。浮世绘的作者都出身民间，没有一个御用画家，但到了十九世纪二十年代，由于资本主义的经营方式盛行，致使这种艺术失去了健康的内 容，追求色情和低级趣味，渐渐地终于走向衰亡。浮世绘今虽已被现代印刷术所代替，但它那丰富的艺术成果依然为各国人民所珍视。

浮世绘不仅是江户时代最有特色的绘画，而且由于它对西方现代美术的推进作用而闻名世界，在西方甚至被作为整个日本绘画的代名词。从制作手段上看，浮世绘分为两种：木版画和肉笔画。前者是刻制印刷而成，后者是手绘而成。江户时代的人们更珍惜比版画产量小的肉笔画，也留下许多优秀作品。但是，浮世绘之所以能在长达两个世纪以上的时间内保持旺盛的生命力，很大程度上是因为在木版画这一未开拓的领域中追求新技法和新形式的各种可能性。因此，浮世绘样式的展开，主要是在版画中进行的。

在形式方面成为浮世绘版画母胎的，是木版插图本。在内容上成为其母胎的则是宽永风俗画。木版画在日本曾用于佛画，17世纪以来受到新传入的明朝木版插图本的影响，在宽永年间形成日本木版插图的初步阶段。17世纪后期，成为浮世草子前驱的新插图本适应新兴市民阶级的要求陆续刊行，并取宽永风俗画样式。江户以1657年的大火为契机，市民阶层掀起移植京都文化并创造独自文化的热潮，大量刊行各种色情插图本，在木版插图上也出现新鲜的创造意欲。

直至师宣出现时，风俗画制作的据点仍然在京都，与浮世绘版歪相关的插图本新动向也首先在京都兴起。但是由于传统环境的原因，木版单张印刷业不太发达，致使浮世绘木叛画始祖的桂冠戴到了菱川师宣的头上。京都的西川袖信（1671～1751）的业绩同样值得注意，但活动年代稍迟于师宣。袖信除了肉笔画外，还有大量的歪本、插图本，可与江户浮世绘师抗衡。并且大多为墨印，题材大部分是美人风俗图。他擅长以京都风格的细致柔软的曲线将女性柔美的姿态表现在版画上，因此具有新的意义。他的美人画极大的刺激了奥村政信、石川丰信等江户浮世绘师，特别是对于铃木春信美人画样式的建立起着重要的作用。

在江户继清信、清倍、安度等人后登场的是：奥村政信（1688～1754）、西村重长（？～1756）、石川丰信（1711～1785）、乌居清满（1755～1785）等。在他们活跃的时期内，浮世绘版画中又产生了红绘、漆绘，由原来的丹绘发展为更先进的手工着色方法，再发展为初级彩印–红印阶段，在表现方法上还受京都浮世绘的影响，整体上纤细化，抒情化。

红绘，是用红颜料代替丹，再加上其他四五色细心分色描绘的方法。漆绘，是在红绘中的头发和衣带的着墨部分掺胶而发出漆一样的光泽，再撒金粉而增添光彩。由于红绘这一名称易与红印绘混同，故普遍将它包括在漆绘中。漆绘创造者，据说是奥村政信。他既是浮世绘师，又是出版商，富于幻想。起初采用西川袖信的画风，制作柔和的墨印和丹绘，1715～1720年间，用漆绘手法制作美人画和演员画，直接推广了这种新方式。比这稍迟而于1730年代出现的浮绘，据说也由政信首创。

浮绘是将欧洲的透视远近法好奇地用于描绘街景、游廊、剧场，大概最早采用了当时京都和江户市民引为珍贵的”蒂机械”（一种聚光观测镜）。这充分反映出他注意社会动向的性格。

发明红印，大约是1740年，可能受到从长崎输入的中国彩印版画的启迪。当初是采用红和绿及其他少数色彩，奥村政信、西村重长很早就吸取这种新手法制作出优秀作品。红印从1760年顷逐渐增加色彩，向多色彩印发展。它作为以后锦绘的准备阶段具有重要意义。

浮世绘版画对世界美术史的作用，应该提到它对当时欧洲画坛的巨大影响。早在喜多川歌磨死去仅6年的1812年，他的作品就出现在巴黎。19世纪后半期，浮世绘被大量介绍到西方。当时西方的前卫画家，如马奈、惠斯勒、德加、莫奈、劳特累克、凡高、高更、克里木特、溥纳尔、毕加索、马蒂斯等人都从浮世绘中获得各种有意义的启迪，如：无影平涂的色彩价值，取材日常生活的艺术态度，自由而机智的构图，对瞬息万变的自然的敏感把握。对日本艺术的崇拜，以致在西欧产生日本主义热潮，它不仅推动着从印象主义到后印象主义的绘画运动，而且在西方向现代主义文化的发展中发挥着广泛的影响。

一个真实的梦——《永恒的梦》展出

去年3月份，厦门复文美术馆在纽约苏富比拍卖行，以42万美元的价格拍得著名画家姜国芳的作品《永恒的梦》，创下了厦门画作收藏最高价纪录。昨天上午，《永恒的梦》在复兴世纪社区作首次展出。姜国芳也亲临画展，和观众作近距离的交流。

从去年落户厦门以来，《永恒的梦》一直被馆藏在厦门复文美术馆。首次亮相，自然吸引了不少观众。厦门当代置业集团的工作人员说，复兴世纪社区刚落成不久，他们希望通过这样的展出，让社区居民在观赏这幅名画的时候，也能够有机会沟通。

厦门当代置业集团 陈伟：我们希望把这种永恒的梦，这种温馨的气氛，带给我们每一个业主。194900：把整个艺术的东西融入社区，因为在社区里面大家会有一个温馨和谐的气氛。

姜国芳说，《永恒的梦》是他的重要作品之一。他的创作灵感来自他自己的一个爱情故事。

画家 姜国芳：有一个我喜欢的女孩，结果没追求到，人家不理我，我很伤心。晚上就做了一个梦。梦见她躺在一个榻上，这是一个很真实的故事。我当天晚上勾了一个草图，第二天就开始创作。

姜国芳先生1978年毕业于中国美术学院油画系，1987年以后着手创作”紫禁城系列”油画，并先后在北京故宫神武门城楼、罗马威尼斯宫成功举办《紫禁城系列展》。他是在故宫举办个展的”第一人”，也是在威尼斯宫举办个展的第一位亚洲艺术家。姜国芳画作的市场价近年来都在两百万人民币以上。他的大部分画作都被国外收藏家收藏，就拿”紫禁城系列”油画来说，目前80%以上都流传在国外，这也成为他心中的一大遗憾。这回《永恒的梦》被厦门复文美术馆收藏，让他感到很欣慰。不过，他希望他的作品不要被束之高阁，而是能和普通百姓多接触。

画家 姜国芳：油画本来是放在博物馆里头，是一个非常束之高阁的一个东西，就是离普通老百姓很远。现在我觉得这样一做，把这种经典与普通老百姓结合起来，走到千家万户。让它大众化，让它平民化，让它有更多的人去接受。

俄罗斯油画当代风吹进申城

尤里·戈留塔的《戴帽子的少女》

已经沉寂了数十年的俄罗斯油画艺术，在沪上又开始热了起来。 2月24日，刘海粟美术馆和上海博垣文化传播有限公司联合主办”不息的涅瓦河—俄罗斯当代油画精品展”，共展出俄罗斯当代油画近60幅，除了刘海粟美术馆馆藏精品如”人民艺术家”叶赫特、列萨夫·巴列茨的作品外，还有活跃在当今俄罗斯画坛的中坚力量及曾在列宾美术学院进修过的新生代画家作品。他们大多是从涅瓦河畔那所名校—列宾美术学院走出的，虽说有创新，但仍然承继或捍卫着俄罗斯写实主义传统。

俄油画价值渐被认同

俄罗斯油画正吸引着越来越多人的关注。去年，上海城市规划展示馆先后举办了三次俄罗斯油画艺术精品展，分别展出了前苏联和俄罗斯当代油画作品；闵行区博物馆也曾举办梅尔尼科夫和列宾美术学院精品展。沪上还有不少专营俄罗斯油画的画廊，如”五角场800号”创意园区内俄艺得美术馆专门陈列列宾美术学院历届师生的作品。

在艺术品拍卖会上，俄罗斯油画的价值也逐渐得到认同：上世纪90年代中期，俄油画成交率仅45%左右，起拍价往往几千元，雅勃隆斯卡娅这样大师级的作品价格也只在1万至2万元左右。但到了2004年，俄油画原作专场拍卖会，成交率达65%，前苏联功勋艺术家马克西莫夫的《齐白石老人》以35万元落槌，《打春—系列中国》以132万元成交；阿列史尼科夫的《艺术家肖像》也以100万元人民币成交。2005年，翰海推出13幅俄罗斯油画作品，全部成交，其中列宾的《人物肖像》成交价为176万元。而雅勃隆斯卡娅的《公园一隅》也以25.3万元成交，10年间，其作品价格上涨了20余倍。

独特艺术风格意义非凡

刘海粟美术馆馆长张培成说，写实主义只是绘画中的一种手法，可在传统绘画中使用，也可以在当代艺术中运用，并不像有些人所说的”过时”或”一无是处”。

近年来，中国正以广阔的胸怀包容人类优秀文化，俄罗斯油画鲜明的现实主义元素和写实的手法，是世界美术史中不可或缺的一个重要”支流”，依然有着强烈的艺术感染力。随着现当代艺术的流行，人们从另一个视点重新审视前苏联与俄罗斯的现实主义艺术，以及与其一脉相承的俄罗斯当代绘画，发现其非凡的意义与价值：如对于美的向往、讴歌是他们共同的追求，热衷于略有叙事性主题绘画的创作又是他们的强项。随着苏联的解体，欧美艺术思潮对他们的影响，使之更呈现出丰富多彩的别样图式来。

当然，俄罗斯油画升温也有其商业的因素，其价格相对欧美油画要便宜得多；同时，中国不少人有俄罗斯情结，他们喜爱收藏或用俄罗斯油画布置环境，很多画商就到俄罗斯”采购”油画，推动了俄罗斯油画的”升温”。